大岡トミエ、ナラ・ロエスラー・ニューヨークで晩年の白い絵画と彫刻を展示

京都に生まれ、1936年にブラジルへ渡った大岡トミエ(トミエ・オオタケ)の個展「The Ultimate Works」が、チャイナタウンのナラ・ロエスラー・ニューヨークで開かれている。会期は10月24日まで。残りは1週間ほどだ。キュレーションは、同ギャラリーの芸術監督も務めるルイス・ペレス=オラマス。

大岡は1950年代、日本人画家の菅野圭介のもとで絵を学び始めた。当初は具象的な習作に取り組んだが、のちに抽象へと進む。1960年から63年にかけては、批評家マリオ・ペドロサの示唆を受け、目隠しをして描く「盲目の絵画」を制作した。直感や身体の感覚に委ねる試みである。70〜80年代には有機的な形、単色の広がり、微妙な色の階調を特徴とする作風を築き、のちに彫刻や公共空間にも展開した。サンパウロ・ビエンナーレに6回出場してイタマラチー賞を受賞したほか、ヴェネツィア、東京、ハバナ、クエンカなど計20の国際展に参加している。作品はMoMA、メトロポリタン美術館、テート・モダン、サンフランシスコ近代美術館、M+などに収蔵されている。

本展の軸は、キャリアの出発点と終着点を結ぶことにある。目を覆った暗闇から新しい見え方を探った初期の試みと、生涯最後の年に描かれた、厚く不透明な白い画面。ペレス=オラマスは、この白を単なる「最後」ではなく、百年に及ぶ仕事が凝縮された「究極」の境地として読み解く。大岡の没年にあたる2014年ごろ、100歳を迎えた作家は白一色の作品群を集中的に生み出した。

白い絵画では、絵具が幾層にも重なり、形が画面から浮かび上がる。遠目には単色の面だが、近づくと筆の跡が起伏となり、絵の上に影を落とす。ほとんど彫刻のような質感だ。この筆の動きは、白い管状鋼による彫刻にも引き継がれる。うねり絡み合う形は空中に張られた一本の糸のようで、光と影が筒の表面で移ろう。絵筆のひと振りを立体として見るような体験になる。

展示作品には、1965年の油彩(135×110cm)、2014年のアクリル画(120×150cm)、2006年に自動車用塗料で仕上げた管状炭素鋼の彫刻(175×210×125cm)などが含まれる。日本に生まれ、ブラジルで制作を続けた作家の最終章を、ニューヨークで見られる機会だ。